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Volumen 67, año 2018

  • GARCÍA SÁNCHEZ, Rafael
    Comentarios kantianos a algunas de las Sentencias sobre arte conceptual de Sol Lewitt .
    Número: 194 Páginas: 5-26

    El artista norteamericano Sol LeWitt, vinculado al arte minimal y al arte conceptual, escribió en 1968 Sentencias sobre arte conceptual. Escritas aforísticamente, son una reflexión sobre la naturaleza del arte y del artista conceptual, de los juicios, conceptos, y tipos de razonamientos que debieran esgrimirse a propósito de esta corriente artística. En al menos 6 de las 35 “sentencias” se ponen de relieve suficientes paralelismos y concordancias con el contenido de la Crítica del juicio. Nos proponemos comentar tales coincidencias, relevándose la influencia que la obra estética kantiana ejerció sobre una parte del arte del siglo XX.

  • CARO REY, Jonatan
    Tiempo de la erótica, erótica del tiempo. La filosofía pre-límite de Eugenio Trías
    Número: 194 Páginas: 27-47

    nterpretamos el pensamiento triasiano anterior a Los límites del mundo distinguiendo tres momentos conectados que permiten comprender su diferencia y su comunidad. Desde La filosofía y su sombra hasta La dispersión Trías propondría un sujeto carnavalesco alternativo al fetichismo subjetivista abonado por la lógica antimetafísica, paradigmáticamente representada por el positivismo. La dos obras siguientes constatarían las enfermedades que puede padecer, no obstante, un sujeto así concebido, abonando, desde Meditación sobre el poder hasta El pensamiento cívico de Joan Maragall, la propuesta del sujeto pasional como respuesta equilibrada a los defectos de las concepciones fetichista y carnavalesca de la identidad.

  • LÓPEZ SEGOVIA, Carlos
    Adolf Reinach, fenomenólogo realista y “amigo del mirar
    Número: 194 Páginas: 49-71

    n este artículo se presenta la biografía de Adolf Reinach, jurista y filósofo fenomenólogo realista del Círculo de Gotinga, Profesor Asistente de Husserl y profesor de los primeros fenomenólogos de esta corriente filosófica. Nos centramos en su formación académica, la etapa de docencia junto a Husserl y su relación con los fenomenólogos de Gotinga.

  • FRAU BURÓN, Pablo
    TH. W. Adorno y el psicoanalisis. La categoría freudiana del “inconsciente” en la teoría sobre el Expresionismo musical
    Número: 194 Páginas: 73-87

    Este artículo examina la relevancia del psicoanálisis de Freud en la teoría sobre el Expresionismo musical del joven Th. W. Adorno. En primer lugar, se exploran los escritos musicales tempranos y se extrae de ellos la explicación histórica que el autor lleva a cabo de esa vanguardia musical. En segundo lugar, se examina la función de la categoría freudiana del “inconsciente” en esa explicación. Finalmente, se ponen de relieve las conexiones entre esa vanguardia

  • RIVERA, Víctor Samuel
    Pestilencia y alteración. La corrupción política como dispositivo
    Número: 194 Páginas: 89-119

    La presente contribución pretende ser una hermenéutica de la corrupción política en las democracias liberales capitalistas avanzadas. La reflexión toma como punto de partida la experiencia histórica y social de la crisis de la Bolsa de Nueva York en 2008 para, sobre la base del hecho manifiesto de la corrupción política a nivel global, desarrollar el concepto de “esencia alterada”, con el cual se caracteriza una ontología del régimen de gobierno de las democracias avanzadas; estas estarían afectadas por un dispositivo ontológico de corrupción del cual la crisis de 2008 sería evento. El carácter ontológico, tanto del evento 2008 como de la esencia alterada que expresaría, daría cuenta de una insolvencia esencial del mundo histórico del que las democracias avanzadas constituyen el centro geográfico.

  • MARTÍNEZ ÁNGEL, Lorenzo
    Una reflexión sobre el concepto de influencia de Umberto Eco: ¿Pensamiento de Séneca en Miguel Delibes y Émile-Auguste Chartier/Alain?
    Número: 194 Páginas: 121-136

    Este artículo analiza el concepto de influencia de Umberto Eco aplicándolo a textos de Séneca, Miguel Delibes y Émile-Auguste Chartier/Alain. En él se trata de mostrar, mediante ejemplos la profundidad de la visión de Umberto Eco, que podría servir para conocer mejor los límites entre la interpretación y la sobreinterpretación.

  • GUZÓN NESTAR, José Luis
    Paul Boghossian: Realismo como anti-relativismo en el entorno de “El miedo al conocimiento”
    Número: 194 Páginas: 137-154

    En este trabajo pretendo mostrar la crítica que Boghossian realiza al relativismo ontológico y epistemológico así como al construccionismo, además de caracterizar su realismo como antirrelativismo. El autor adopta la posición de defensor de una visión clásica del conocimiento, según la cual la ciencia tiene un papel privilegiado en el acercamiento a la realidad. Esta visión objetivista también la podemos denominar realista. De ahí que podamos concluir que Paul Boghossian es un realista, cuyo principal mérito y objetivo es luchar contra el relativismo (ontológico, epistemológico y moral) y el constructivismo.

  • MUÑOZ BOX, Fernando
    La perspectiva científica en la encíclica Laudato si'.
    Número: 194 Páginas: 155-166

    n el presente artículo, una vez presentadas una serie de consideraciones generales sobre la ciencia y sobre las leyes de la naturaleza, para precisar la perspectiva científica, se hace un breve comentario a las reflexiones de Laudato si’ sobre las raíces humanas de la crisis ecológica –la globalización del paradigma tecnológico–, y sobre las responsabilidades de la ciencia y la técnica.

  • VICENTE BURGOA, Lorenzo
    Tiempo y probabilidad (una objeción).
    Número: 194 Páginas: 167-173

    En este artículo se hacen una serie de precisiones a un artículo anterior relativo a la causalidad y la probabilidad. Se insiste en que para que un suceso mínimamente probable se dé, además de tiempo suficiente, agentes o energías proporcionales, se requiere que estos actúen según un orden apropiado, es decir, según una cierta intencionalidad.

  • BARRACA MAIRAL, Javier
    El valor de una filosofía de la persona en la universidad: ¿Un antídoto contra la deshumanización?
    Número: 194 Páginas: 175-188

    Este ensayo se centra en el valor que el estudio de la Filosofía presenta para la universidad. Por ello, muestra la relación de la Filosofía con una honda comprensión del mundo actual. Propone la necesidad de criticar las diferentes formas de deshumanización de nuestra sociedad. El texto recuerda muchas de las materias en las que la Filosofía contribuye al conocimiento, y cómo pueden estas ayudar en la búsqueda humana de un sentido para la propia vida. Para esto, se recomienda una perspectiva filosófica concreta, que es la centrada en la persona.

  • ZÚÑIGA, José Francisco
    Arte y autonomía
    Número: 195 Páginas: 221-234

    En el artículo se parte de la distinción entre tres modos filosóficos de afrontar el arte, que sirve para enmarcar los trabajos que se presentan en el volumen. Después de hacer una breve descripción de su contenido, el autor entra en discusión con quienes defienden la autonomía moderna del arte (García Leal) y también con quienes defienden la vinculación del arte con la praxis humana, tanto en su versión moderada (Bertram) como en su versión radical (i.e. Rodríguez Martín). Basándose en razonamientos provenientes de Pardo y Menke, el autor defiende la existencia de un doble impulso en el arte: por un lado, el arte está a la base de toda praxis social racional, incluso es fundamento del conocimiento científico y de la razón práctica normativa; por otro, en el arte hay también una fuerza que se sitúa en los márgenes de la razón. La adecuada tensión entre ambos es la condición de posibilidad de la libertad humana. Se postula, por consiguiente, que la autonomía del arte es necesaria.

  • GARCÍA LEAL, José
    ¿Arte sin autonomía?
    Número: 195 Páginas: 235-245

    El artículo intenta defender que la autonomía es un atributo esencial del arte. Cuando surge el concepto moderno de arte, lo hace mostrando que la actividad artística es distinta y no subsidiaria de ninguna otra actividad, que tiene en sí su propia razón de ser y legitimidad, o sea, es autónoma. La autonomía se refuerza cuando se traslada el acento de la actividad a la obra artística. Y se defiende que es sobre todo autonomía significativa. Se discute el intento de desplazar de nuevo la autonomía desde la obra a la interacción de la práctica artística con otras prácticas.

  • VILAR, Gerard
    El concepto de autonomía en la estética alemana reciente
    Número: 195 Páginas: 247-262

    El concepto de autonomía, aunque nace con la estética idealista del siglo XVIII, sigue siendo un concepto imprescindible para entender los fenómenos estéticos y artísticos del presente. En este artículo se discuten algunos autores alemanes que recientemente se han ocupado del problema filosófico de la autonomía, empezando por la falsa oposición denunciada en 2002 por Andrea Kern y Ruth Sonderegger entre dos concepciones opuestas de la posición de la estética en relación con la filosofía (I). A continuación, se examina la posición de Christoph Menke y la discusión crítica de la misma por parte de Georg Bertram (II). Finalmente se reconstruye parcialmente la posición defendida por Bertram en su último libro en torno a la cuestión que nos ocupa (III) y en la sección final se formulan algunas dudas sobre el proyecto de Bertram y su concepto renovado de autonomía (IV).

  • BERTRAM, Georg W.
    ¿Qué es el arte? Esbozo de una ontología del arte
    Número: 195 Páginas: 263-281

    La ontología del arte se desarrolla generalmente como una ontología de las obras de arte. Esto lleva a que en la respuesta a la pregunta de lo que es arte, no se afirme nada sobre lo que constituye su valor. Sin embargo, sostengo que es necesario determinar este valor, si se quiere determinar lo que es el arte. Para lograrlo, parto de la tesis de que el arte es una práctica transformadora, y, por lo tanto, sugiero enfocar la ontología del arte como ontología de tal práctica. Esta práctica contiene cuatro elementos: en primer lugar, las obras de arte; en segundo lugar, las actividades interpretativas, a través de las que quienes se ocupan de las obras de arte comprenden las configuraciones que estas han realizado; en tercer lugar, otras prácticas que se reflejan en tales actividades; y, finalmente, en cuarto lugar, las prácticas de la crítica de arte. En estos cuatro elementos se realiza lo que es arte. En ese sentido, el arte es una práctica constitutivamente incierta que desafía a las personas en el conocimiento propio de tal manera que las impulsa a seguir desarrollando ese conocimiento de sí mismo.

  • BERTINETTO, Alessandro
    Valor y autonomía de la improvisación. Entre artes y prácticas
    Número: 195 Páginas: 283-304

    La tesis que argumentaré es que el vínculo entre las prácticas humanas y el arte es proporcionado por la noción de improvisación. La improvisación no es solo una técnica artística particular, sino, más generalmente, el paradigma del arte, porque muestra genéticamente tanto la especificidad como el valor del arte, es decir, el vínculo entre las prácticas humanas y el arte como específica práctica humana. El arte (como práctica humana específica) es una forma particular de improvisar (sobre) las prácticas humanas. La improvisación (en tanto que procedimiento artístico específico) es el tipo de producción artística en la cual las prácticas humanas subyacentes al arte saltan a un primer plano.

  • VERCELLONE, Federico
    Arte y práctica humana en la sociedad de la imagen
    Número: 195 Páginas: 305-320

    ¿Cuál es la función del arte en un universo dominado por la imagen? Dicha cuestión atraviesa el surgimiento de la conciencia estética después de Baumgarten, la cual se define como una abstracción, según la tesis expuesta por Gadamer en Verdad y método, no solo desde el punto de vista conceptual, sino también en referencia a su estructuración como territorio autónomo que parte de los medios tradicionales de expresión artística, como queda manifiesto en el largo recorrido que conduce de Batteux a Winckelmann y Lessing. En este marco, nos enfrentamos a una abstracción que es, sobre todo, perceptiva, allí donde los medios y las modalidades de expresión: pincel y paleta, color, sonido, palabra, etc., hacen referencia a un único sentido, mientras que nuestra percepción habitual posee un constante carácter sinestésico. Desde el romanticismo hasta las vanguardias, llegando a momentos significativos del arte contemporáneo, y por tanto a la realidad aumentada, se asiste al recorrido inverso, aquel que pone en juego la reconstrucción íntegra de la percepción, tal como se nos presenta desde la sinergia “realista” de los cinco sentidos.

  • LA RUBIA DE PRADO, Leopoldo
    La obra de arte en la época del arte sin obras
    Número: 195 Páginas: 321-342

    En la actualidad apenas se habla de obras de arte, sino del arte. La condición líquida del arte actual así parece exigirlo. Por ello, las performances e instalaciones son las acciones artísticas más abundantes hoy. Aunque ahora se oye hablar mucho del arte, el campo semántico de esta noción es tan amplio que se disuelve hasta el punto de perder su significado cuando se conecta con las esferas política, social, ideológica o económica. ¿Dónde ha quedado la autonomía de la obra de arte? ¿Qué ha pasado con la obra de arte en sí misma? ¿Qué cabe esperar en un medio en el que la mercantilización lo invade todo? Como este artículo demuestra, revisitar el concepto de la autonomía del arte y enfocarse en la obra de arte no empequeñece el ámbito de la misma—pertenezca ésta al pasado remoto o a la más reciente contemporaneidad.

  • PUELLES ROMERO, Luis
    Soberanía y extrañamiento. El destino moderno de la imagen-fantasma
    Número: 195 Páginas: 343-362

    Desde ciertos presupuestos exploratorios del “arte moderno” como destino de emergencia de la imagen-fantasma (a partir de la lectura del Sofista por Deleuze), se prueba en estas páginas la posibilidad de que la soberanía de la imagen moderna no radique predominantemente en sus valores formales y de pureza, sino en su potencia de resistencia al entendimiento. Kant, Baudelaire y Lautréamont, en lo relativo a la definición de la imagen irreductible a percepción “realista”, o Ingres, el último Goya y un Manet más enigmático que meramente plasticista, nos orientan hacia aspectos (la querella de las imágenes contra los signos, las nociones de figuralidad y extrañamiento) y autores (Redon, Picabia, entre otros) menos atendidos por la historiografía de las conquistas formales y “autonomistas”.

  • GODOY, María Jesús
    A propósito del arte abstracto: ¿arte puro e insensible?
    Número: 195 Páginas: 363-379

    Con Greenberg, la abstracción pictórica resultó ser un arte liberado de su condición mimética y su carga afectiva. Pero con Adorno, la dimensión comprometida y emocional artística asomaría en este arte con carácter encriptado, atenuado hoy al afirmarse que la no figuración puede causar un dolor abierto y explícito. Dada la reciente rehabilitación además de las emociones negativas, este trabajo explora los medios por los que la abstracción expresa el asco, que como afecto físico y poco racional, sería contrapuesto a ella. El aspecto cognoscitivo últimamente reconocido desmiente esta suposición y la del arte abstracto como arte puro e insensible.

  • CASTILLA CEREZO, Antonio
    La imagen-proliferación. El zombi moderno y la autonomía del arte
    Número: 195 Páginas: 381-392

    No cabe duda de que los zombis ocupan un lugar relevante en el imaginario de nuestro tiempo. En este texto se propone una interpretación de dicho fenómeno según la cual este tipo de monstruos constituiría un símbolo de la moderna condición de las imágenes, las cuales estarían a la vez vivas y muertas porque serían independientes, pero no autónomas. Para desplegar esta lectura, se recurre a lo largo de la misma en especial —pero no exclusivamente— a los films sobre zombis dirigidos por George A. Romero, que constituyen la espina dorsal de este subgénero cinematográfico.

  • RODRÍGUEZ MARTÍN, Carmen
    Venus y tinta roja: Salvadora Medina Onrubia, escritora y escritura militante
    Número: 195 Páginas: 393-407

    El presente trabajo abordará un estudio de caso que problematizará las relaciones entre autonomía y heteronomía del arte. En concreto, se centrará en la escritora argentina Salvadora Medina Onrubia cuya praxis artística y editorial, conceptualizada como contrapropaganda, pretende socavar el orden canónico del campo cultural y político argentino de las primeras décadas del siglo pasado. Para ello, analizaré cómo construye su identidad como autora ligada a una militancia estética que reclama la posibilidad de enunciar su voz de mujer creadora y a una militancia política de sesgo anarquista.

  • PRADIER, Adrián
    Georg W. Bertram, El arte como praxis humana. Una estética
    Número: 195 Páginas: 409-414

    Reseña crítica de la obra de G. W: Bertram “El arte como praxis humana”.

  • GARNICA, Naím
    Christoph Menke, La fuerza del arte
    Número: 195 Páginas: 415-423

    Reseña crítica de “La fuerza del arte” de Ch. Menke.

Editada por: Instituto Superior de Filosofía de Valladolid O.P.

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