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Estudios Filosóficos, Revista de investigación y crítica, es el órgano de expresión del Instituto Superior de Filosofía de Valladolid de la Orden de Predicadores, dominicos.

Aparece por primera vez el seis de junio de 1952, a modo de “Memoria de los cursos académicos del Estudio General de Filosofía de Las Caldas de Besaya (Santander, España)”. En 1953 se concibe como “Revista de investigación y crítica publicada bajo la dirección de los Dominicos del Estudio General de Filosofía de Las Caldas de Besaya (Santander, España)” con dos números anuales. En 1956 se dirige también desde Las Caldas de Besaya como “Revista de investigación y crítica publicada por los Estudios de Filosofía de los Dominicos Españoles”, con tres números anuales (nº 8). Finalmente, en 1973, aparece en Valladolid, siendo órgano del “Instituto Superior de Filosofía OP”, con tres números anuales (nº 59).

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Número 195 / Volumen 67 / Año 2018

  • ZÚÑIGA, José Francisco
    Arte y autonomía

    En el artículo se parte de la distinción entre tres modos filosóficos de afrontar el arte, que sirve para enmarcar los trabajos que se presentan en el volumen. Después de hacer una breve descripción de su contenido, el autor entra en discusión con quienes defienden la autonomía moderna del arte (García Leal) y también con quienes defienden la vinculación del arte con la praxis humana, tanto en su versión moderada (Bertram) como en su versión radical (i.e. Rodríguez Martín). Basándose en razonamientos provenientes de Pardo y Menke, el autor defiende la existencia de un doble impulso en el arte: por un lado, el arte está a la base de toda praxis social racional, incluso es fundamento del conocimiento científico y de la razón práctica normativa; por otro, en el arte hay también una fuerza que se sitúa en los márgenes de la razón. La adecuada tensión entre ambos es la condición de posibilidad de la libertad humana. Se postula, por consiguiente, que la autonomía del arte es necesaria.

  • GARCÍA LEAL, José
    ¿Arte sin autonomía?

    El artículo intenta defender que la autonomía es un atributo esencial del arte. Cuando surge el concepto moderno de arte, lo hace mostrando que la actividad artística es distinta y no subsidiaria de ninguna otra actividad, que tiene en sí su propia razón de ser y legitimidad, o sea, es autónoma. La autonomía se refuerza cuando se traslada el acento de la actividad a la obra artística. Y se defiende que es sobre todo autonomía significativa. Se discute el intento de desplazar de nuevo la autonomía desde la obra a la interacción de la práctica artística con otras prácticas.

  • VILAR, Gerard
    El concepto de autonomía en la estética alemana reciente

    El concepto de autonomía, aunque nace con la estética idealista del siglo XVIII, sigue siendo un concepto imprescindible para entender los fenómenos estéticos y artísticos del presente. En este artículo se discuten algunos autores alemanes que recientemente se han ocupado del problema filosófico de la autonomía, empezando por la falsa oposición denunciada en 2002 por Andrea Kern y Ruth Sonderegger entre dos concepciones opuestas de la posición de la estética en relación con la filosofía (I). A continuación, se examina la posición de Christoph Menke y la discusión crítica de la misma por parte de Georg Bertram (II). Finalmente se reconstruye parcialmente la posición defendida por Bertram en su último libro en torno a la cuestión que nos ocupa (III) y en la sección final se formulan algunas dudas sobre el proyecto de Bertram y su concepto renovado de autonomía (IV).

  • BERTRAM, Georg W.
    ¿Qué es el arte? Esbozo de una ontología del arte

    La ontología del arte se desarrolla generalmente como una ontología de las obras de arte. Esto lleva a que en la respuesta a la pregunta de lo que es arte, no se afirme nada sobre lo que constituye su valor. Sin embargo, sostengo que es necesario determinar este valor, si se quiere determinar lo que es el arte. Para lograrlo, parto de la tesis de que el arte es una práctica transformadora, y, por lo tanto, sugiero enfocar la ontología del arte como ontología de tal práctica. Esta práctica contiene cuatro elementos: en primer lugar, las obras de arte; en segundo lugar, las actividades interpretativas, a través de las que quienes se ocupan de las obras de arte comprenden las configuraciones que estas han realizado; en tercer lugar, otras prácticas que se reflejan en tales actividades; y, finalmente, en cuarto lugar, las prácticas de la crítica de arte. En estos cuatro elementos se realiza lo que es arte. En ese sentido, el arte es una práctica constitutivamente incierta que desafía a las personas en el conocimiento propio de tal manera que las impulsa a seguir desarrollando ese conocimiento de sí mismo.

  • BERTINETTO, Alessandro
    Valor y autonomía de la improvisación. Entre artes y prácticas

    La tesis que argumentaré es que el vínculo entre las prácticas humanas y el arte es proporcionado por la noción de improvisación. La improvisación no es solo una técnica artística particular, sino, más generalmente, el paradigma del arte, porque muestra genéticamente tanto la especificidad como el valor del arte, es decir, el vínculo entre las prácticas humanas y el arte como específica práctica humana. El arte (como práctica humana específica) es una forma particular de improvisar (sobre) las prácticas humanas. La improvisación (en tanto que procedimiento artístico específico) es el tipo de producción artística en la cual las prácticas humanas subyacentes al arte saltan a un primer plano.

  • VERCELLONE, Federico
    Arte y práctica humana en la sociedad de la imagen

    ¿Cuál es la función del arte en un universo dominado por la imagen? Dicha cuestión atraviesa el surgimiento de la conciencia estética después de Baumgarten, la cual se define como una abstracción, según la tesis expuesta por Gadamer en Verdad y método, no solo desde el punto de vista conceptual, sino también en referencia a su estructuración como territorio autónomo que parte de los medios tradicionales de expresión artística, como queda manifiesto en el largo recorrido que conduce de Batteux a Winckelmann y Lessing. En este marco, nos enfrentamos a una abstracción que es, sobre todo, perceptiva, allí donde los medios y las modalidades de expresión: pincel y paleta, color, sonido, palabra, etc., hacen referencia a un único sentido, mientras que nuestra percepción habitual posee un constante carácter sinestésico. Desde el romanticismo hasta las vanguardias, llegando a momentos significativos del arte contemporáneo, y por tanto a la realidad aumentada, se asiste al recorrido inverso, aquel que pone en juego la reconstrucción íntegra de la percepción, tal como se nos presenta desde la sinergia “realista” de los cinco sentidos.

  • LA RUBIA DE PRADO, Leopoldo
    La obra de arte en la época del arte sin obras

    En la actualidad apenas se habla de obras de arte, sino del arte. La condición líquida del arte actual así parece exigirlo. Por ello, las performances e instalaciones son las acciones artísticas más abundantes hoy. Aunque ahora se oye hablar mucho del arte, el campo semántico de esta noción es tan amplio que se disuelve hasta el punto de perder su significado cuando se conecta con las esferas política, social, ideológica o económica. ¿Dónde ha quedado la autonomía de la obra de arte? ¿Qué ha pasado con la obra de arte en sí misma? ¿Qué cabe esperar en un medio en el que la mercantilización lo invade todo? Como este artículo demuestra, revisitar el concepto de la autonomía del arte y enfocarse en la obra de arte no empequeñece el ámbito de la misma—pertenezca ésta al pasado remoto o a la más reciente contemporaneidad.

  • PUELLES ROMERO, Luis
    Soberanía y extrañamiento. El destino moderno de la imagen-fantasma

    Desde ciertos presupuestos exploratorios del “arte moderno” como destino de emergencia de la imagen-fantasma (a partir de la lectura del Sofista por Deleuze), se prueba en estas páginas la posibilidad de que la soberanía de la imagen moderna no radique predominantemente en sus valores formales y de pureza, sino en su potencia de resistencia al entendimiento. Kant, Baudelaire y Lautréamont, en lo relativo a la definición de la imagen irreductible a percepción “realista”, o Ingres, el último Goya y un Manet más enigmático que meramente plasticista, nos orientan hacia aspectos (la querella de las imágenes contra los signos, las nociones de figuralidad y extrañamiento) y autores (Redon, Picabia, entre otros) menos atendidos por la historiografía de las conquistas formales y “autonomistas”.

  • GODOY, María Jesús
    A propósito del arte abstracto: ¿arte puro e insensible?

    Con Greenberg, la abstracción pictórica resultó ser un arte liberado de su condición mimética y su carga afectiva. Pero con Adorno, la dimensión comprometida y emocional artística asomaría en este arte con carácter encriptado, atenuado hoy al afirmarse que la no figuración puede causar un dolor abierto y explícito. Dada la reciente rehabilitación además de las emociones negativas, este trabajo explora los medios por los que la abstracción expresa el asco, que como afecto físico y poco racional, sería contrapuesto a ella. El aspecto cognoscitivo últimamente reconocido desmiente esta suposición y la del arte abstracto como arte puro e insensible.

  • CASTILLA CEREZO, Antonio
    La imagen-proliferación. El zombi moderno y la autonomía del arte

    No cabe duda de que los zombis ocupan un lugar relevante en el imaginario de nuestro tiempo. En este texto se propone una interpretación de dicho fenómeno según la cual este tipo de monstruos constituiría un símbolo de la moderna condición de las imágenes, las cuales estarían a la vez vivas y muertas porque serían independientes, pero no autónomas. Para desplegar esta lectura, se recurre a lo largo de la misma en especial —pero no exclusivamente— a los films sobre zombis dirigidos por George A. Romero, que constituyen la espina dorsal de este subgénero cinematográfico.

  • RODRÍGUEZ MARTÍN, Carmen
    Venus y tinta roja: Salvadora Medina Onrubia, escritora y escritura militante

    El presente trabajo abordará un estudio de caso que problematizará las relaciones entre autonomía y heteronomía del arte. En concreto, se centrará en la escritora argentina Salvadora Medina Onrubia cuya praxis artística y editorial, conceptualizada como contrapropaganda, pretende socavar el orden canónico del campo cultural y político argentino de las primeras décadas del siglo pasado. Para ello, analizaré cómo construye su identidad como autora ligada a una militancia estética que reclama la posibilidad de enunciar su voz de mujer creadora y a una militancia política de sesgo anarquista.

  • PRADIER, Adrián
    Georg W. Bertram, El arte como praxis humana. Una estética

    Reseña crítica de la obra de G. W: Bertram “El arte como praxis humana”.

  • GARNICA, Naím
    Christoph Menke, La fuerza del arte

    Reseña crítica de “La fuerza del arte” de Ch. Menke.

Editada por: Instituto Superior de Filosofía de Valladolid O.P.

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